Ich frage mich: Wenn Sie [bedingt, ich frage nicht nach Leuten, die tatsächlich dort waren] ein Kunststudent (oder Druck oder Werbung, ich bin mir nicht sicher, wie der Titel damals gewesen wäre) Student oder Profi gewesen wären In den 70ern, worüber würden Sie mit Ihren Klassenkameraden / Kollegen sprechen?
Ich meine nicht, was würden Sie im Unterricht lernen, aber was würden Sie zu dieser Zeit als revolutionäre (und vielleicht ein wenig subversive) Fächer betrachten? Was waren die Trends, die neuen Ideen, über die die Leute sprachen?
Könnten Studenten aus Amerika oder Europa sein. Ich denke eigentlich an lateinamerikanische Universitäten, aber mir ist klar, dass das zu spezifisch sein könnte. Und sie müssen über die gleichen Dinge gesprochen haben, denke ich.
Ich weiß zum Beispiel, dass Studenten der Sozialwissenschaften viel über Levi-Strauss diskutierten. Was in einigen lateinamerikanischen Ländern verboten war, weil es als "gefährlich" angesehen wurde. Ich stelle mir vor, vielleicht sprachen Kunststudenten über ... Postmodernismus? Feminismus? Ich weiß es nicht wirklich und würde mich über Ihre Hilfe freuen.
Antworten:
Ich bin kein Experte und war in den siebziger Jahren kein Student, aber ich erinnere mich an einige politische Umwälzungen, soziale und kulturelle Strömungen und Ereignisse.
Design wird informiert, entwickelt sich zusammen mit oder als Reaktion auf die Politik und die Ereignisse in der Gesellschaft im Allgemeinen.
Ja, in den siebziger Jahren gab es definitiv eine Menge Hippie-Ästhetik der sechziger Jahre; es war zu dieser Zeit mehr akzeptiert und mehr Mainstream geworden. Die nicht mehr so "gefährlichen" und subversiven psychedelischen Elemente, der "Frieden und die Liebe" des zivilen Ungehorsams und des gewaltfreien Protests mit ihrer mehrfarbigen Bio-Ästhetik müssten "gehen": Unvermeidlich schwingen die politischen Pendel.
Sechziger Jahre. Hippie-Dippy:
In den sechziger Jahren wurde mit Drucktechniken experimentiert, und Sie werden den Wahnsinn finden, in Offsetdruckmaschinen mehrere Farben in dieselbe Farbe zu gießen. Das Ergebnis ist, dass das Ganze bräunlich wird, aber Sie können viel drucken, bevor sich die Farben mischen, und Sie erhalten eine Reihe von Postern, die alle leicht unterschiedlich sind. Dh es würde kein Raster geben. Ich kann kein Beispiel finden, aber stellen Sie sich vor, Sie setzen mehrere Farben ein:
Bearbeiten: Ich habe das Bild gefunden, nach dem ich gesucht habe:
Sechziger Jahre. Würden Sie diesen Lippenstift kaufen?
Obwohl das Albumdesign von Milton Glasers Bob Dylan im Jahr 1967 hergestellt wurde, zeigt es eine enge visuelle Sprache. Mein Punkt ist, dass das "Hippie-ähnliche" Haar nicht in wilden Hippie-Farben ist. Sie sind stummgeschaltet. Die Schrift und Silhouette spricht von einem minimalistischen Kontrast.
Es gibt einen großen Unterschied zwischen dem, was man als Corporate Design bezeichnen könnte, und Unterströmungen, die in einer Art visueller Bottom-up-Sprache verwurzelt sind. Wenn Sie nach "1970 Design" suchen, erhalten Sie eine Menge - was von vielen als gesehen wurde - hochkarätige visuelle Effekte, Designs für Unternehmen und neue, wundervolle Technologien. Es gibt immer noch viele Farben, aber nicht viel von dem organischen Blumending. Es bewegt sich in Richtung einfacher, grafischer Elemente. Vergleichen Sie Business Design mit LP-Covers, Konzertplakaten, "Graswurzel" -Kulturveranstaltungen usw., es gibt eine große Lücke.
Siebziger Jahre. Würden Sie das kaufen?
Und natürlich gibt es die umstrittene Kunst von Andy Warhol, der Kunst "schamlos" kommerzialisierte. Ich denke, man könnte ihn den Meister des flachen Designs nennen: D.
Hier, Liza Minelli:
Die sozialen Unruhen und Konflikte von 1968 waren eine heftige Reaktion auf die als militärisch, kapitalistisch und bürokratisch angesehenen Eliten. Viele Regierungen antworteten mit einer Eskalation von politischer Unterdrückung und körperlicher Gewalt. Friedlicher Protest ging nirgendwo hin. Mann auf der Straße, Anti-Establishment. Kalter Krieg, echter Krieg, Revolutionen, der Fall des britischen Reiches, Mao starb. Die Welt war groß, kalt, gefährlich und verwirrend. Roboter, Science Fiction, Weltraumforschung, Star Wars, Dystopien, genetische Manipulation; Die Welt wurde fremd. Die Hoffnung, dass die Welt besser sein könnte als sie war, geriet ins Stocken.
Geben Sie Punk
Jeder kann alles schaffen. Jeder kann Musik machen. Die Technologie machte es dann mehr Menschen leichter, sich mit Kunst, Musik und Design zu beschäftigen. Das klassische Beispiel dafür sind natürlich Sex Pistols. Es war chaotisch, es war Do-it-yourself, es war laut (im wahrsten Sinne des Wortes). Sie nahmen verehrte Symbole und sezierten sie: die Königin, die Flagge, die Religion, die Politiker. Das Gitter war wirklich aus dem Fenster, Regeln und Konsistenz waren für Weichlinge. Wenn Sie taub wären, wäre das als Sänger ein Plus. The Clash wurde als zu "melodisch" und nicht als "echter" Punk kritisiert. Oberklasse.
Und hier ein Stück über Andy Warhols Porträt von Marilyn Monroe:
Die Feminismusbewegung in den 70er Jahren übernahm Elemente aus dem Punk; es war die visuelle Sprache des Protests. Es konzentrierte sich auf den weiblichen Körper, das Recht auf sexuelle Freiheit, gleiches Entgelt und Solidarität mit Frauen auf der ganzen Welt.
Solidarität mit vietnamesischen Frauen während des Vietnamkrieges:
Als Student in den 1970er Jahren würde ich denken, dass es eine ziemlich große Lücke und einen Grabenkrieg zwischen Punk und "gutem Geschmack" geben würde. Der Postmodernist (Begriff, den ich verachte) und die analytische Dekonstruktion kollidierten mit der "Straßen" -Ästhetik. Andere Elemente wären die "Maschinen" -Ästhetik, die Grafik und Musik von David Bowie und Pink Floyd wären Beispiele. Vermutlich könnte man es Maschinensurrealismus (im Gegensatz zum organischen Hippie-Surrealismus), Mensch-Maschine und die Neuerfindung unserer Identität zu dem nennen, was wir sind und was wir erschaffen (dh Technologie).
Es ist erwähnenswert, dass die Punk-Bewegung natürlich gegen den Kommerz war. Wenn diejenigen, die Teil des Punks sind, älter werden und wir ihnen Dinge verkaufen können, wird "ihre" Sprache von mehr Mainstream-Kommerz aufgegriffen, wenn auch in einer milderen Version. Was in vielen Fällen der Fall ist.
Ich bin mir nicht sicher, ob ich Ihre Frage tatsächlich beantwortet habe, aber es war ein Versuch, sie in einen historischen Kontext zu stellen.
(Als nächstes kommen die achtziger Jahre und der verrückte Wirtschaftsboom. Aber jetzt genug.)
quelle
Natürlich waren die diskutierten Themen sehr subjektiv und werden sich erheblich von Ländern unterscheiden, die so unterschiedliche politische Hintergründe haben wie in den 70er Jahren.
Lassen Sie mich meine Erinnerung an Grafikdesign-Konzepte teilen, die ich damals als Teenager in Deutschland für cool hielt. Mir ist bewusst, dass dies unweigerlich eine eher unpassende, enge und persönliche Sichtweise ist.
Die meisten Designs wurden stark von den Folgen der Flower-Power-Hippie-Bewegung der 60er Jahre beeinflusst. Aber ihre Konzepte wurden konsolidierter und kommerzialisiert. Drogen und ihr Einfluss auf den mentalen Zustand führten zu " Psychedelia ", die fast überall wie in Filmen, Werbespots und Musik übertragen wurde.
Dies spiegelte sich auch in den grafischen Kunstwerken für Schallplattencover wider, die oft das Thema einer phantastischen surrealen Welt hatten:
Der Surrealismus hatte großen Einfluss darauf, vor allem die Werke von Salvador Dali oder Yves Tanguy .
Insgesamt abgerundete organische Strukturen und florale Ornamente ersetzten den minimalistischen Bauhausstil , zumindest in den Bereichen, die behaupten, jung und hip zu sein. Schriftarten wie Banana Split waren überall zu finden.
Das Briefpapier war oft stark verziert, einschließlich des Schreibpapiers und der Umschläge.
Große Designer aus den Siebzigern wie Lugi Colani haben diese Organizität an fast alles angepasst:
Der Minimalismus des Bauhauses, klare geometrische anorganische Linien waren noch in den 70er Jahren vorhanden. Sie überlebten bis heute, wurden aber bis dahin als "quadratisch" angesehen .
quelle